電影由什麼構成？
這個答案交給外行人處理，會有人著重故事，有人著重情感，另外還有一批人，試圖在電影中學到一種思想理念，更有一批人單純把它上升成藝術。【寫到這裡我希望讀者記一下我們域名】
可多年從事這行的李為迎卻有他自己的認知：畫面、鏡頭、剪輯、聲音及修飾。
他一輩子在和它們打交道了。
除去小時候與同學揮灑著青春，騎著自行車歡快地穿梭過小區的巷子，他的一生都奉獻給了這個事業。
他會對家庭感到愧疚，但強迫自己放下，再次把精力全投入在這個行當中。
他已隱約知曉，他的命運已經和「電影」這個符號緊密聯繫在一起。
他經歷過電影從無到有的過程。
國產電影在很長一段時間內處於一種蒙昧狀態，很不巧，他就是在那個時代進入這一行的。
所以那一批導演嘔心瀝血、枯本竭源，拿自己的命換來如今電影事業的發展。
他們對電影認知的深度與廣度是現在年輕導演所不能具有，有的年輕導演難免進入唯心主義，總想著老一輩的人就經驗充足，但拍攝手法老古板，殊不知他們玩的，都是人家玩剩下的。
李為迎知曉現在電影拍攝特色。
一些青年導演為突出水平，彰顯自個多了不起，喜歡擺弄煩躁的短焦鏡頭和長焦鏡頭，亂用移動鏡頭，試圖玩弄蒙太奇手法，搞的劇情割裂，故事乏味，電影不知所云。
他不理解，這些年輕導演就真的那麼空虛、焦躁嗎？
還是說，社會就這麼空虛和焦躁？不然為什麼用這種焦躁的拍攝手法粗暴地去干涉電影？
李為迎沒有提出反駁意見。
他只是單純在內心裡厭惡。
因為他覺得自己沒太多資格去教授年輕導演，早年他也犯過很多錯誤，當年國內電影比較軟弱，綏靖風氣遍行，他不喜歡那些情情愛愛的東西，所以在光比上下了很大功夫，搞了一大堆硬漢風格的電影。
當然，現在有一批導演吹捧他，也學習這套拍攝，飽和度打滿，色溫反差巨大，然後大規模使用兩極鏡頭——他如今年齡大了，不得不承認，兩極鏡頭還是多出現在紀錄片裡比較好。電影中使用太多，容易割裂劇情。
當時面前這部電影不一樣。
乍看很平常的俯角遠景，然後短運動鏡頭，接入大樹場景。就三個鏡頭，但李為迎已經感覺出不同的意味，為什麼？首先，色溫上從冷色調跳到暖色調，這能帶動觀眾不安的情緒；光線也從順光轉為逆光；鏡頭也從俯拍轉為成仰拍——這個導演對鏡頭語言懂得很透！這是李為迎第一個想法。
視覺重量！
李為迎面色嚴肅。
這是國內年輕導演缺乏的，年齡有一把的導演中雖然能挑出來幾個，具有這種水準的，但時代總是往前進，年輕人扛不住，那對電影行業是重大的打擊！
僅僅三個鏡頭就能帶動觀眾不安的情緒，這很厲害。
如今，國內青年導演愛玩時間遊戲，類似在一個五秒鐘發生的故事耗費上十幾個鏡頭，延長成一個長達一兩分鐘的剪輯效果。
這種效果雖然讓觀眾產生焦慮和期待心理，但未免冗長拖拉，讓觀眾看得很乏味，不知所云。而這部電影，只用幾秒鐘的鏡頭就達到效果了。
而且，大遠景——一棵大樹在山坡上！
李為迎覺得有點意思。
景別。這是所有導演必學的一個知識，景別通常被分為兩個系列，全景系列與近景系列。全景系列分為：大遠景、遠景、大全景、全景、小全景。近景系列分為：中景、中近景、近近、特寫、大特寫。
電影與電視劇的特質不同，決定它們運用鏡頭不同。
電影的時長只有120分鐘。
在這120分鐘裡，如果想要講好一個故事，必須掐頭去尾，砍掉無關枝蕪，剔除大量配角，故事也必須快速入場——電視劇不需要這點，電視劇強調創造一個真實世界，時時刻刻吸引觀眾的眼球，不讓觀眾換台，那才是最重要的。
如今「影視不分家」的呼聲大起，李為迎不贊同，但他不太說反駁的話，主要沒意思，都是同行，說出來，遭人怨！
如此，電影現在拍的也像電視劇了。
往往用全景。
也不太用大遠景了。
為什麼呢？
下意識的習慣！
電視劇與綜藝都愛用全景，這樣畫面主題更靠近觀眾，容易吸引眼球。
大遠景的主體是遠離屏幕下端的，會給人視覺上的疏遠感，它就像是個句號，橫亘在一部電影之中，讓這個鏡頭格外突兀耀眼。
古早的一些老電影，開端和結尾都用大遠景，方便觀眾快速的從現實帶入故事，或者從電影中抽身，回歸現實。
如今電影都不愛用這種手法了。
李為迎陷在座椅上。
他忽然陷入童年的回憶。
他小時候家境還算不錯，有機會看電影，雖說當時還沒預料到將來會走這條路。
他也曾經嫌棄當初電影的套路。
永遠單一乏味的開篇。
要麼人物從遠方走到鏡頭前。
要麼拉長鏡頭，把景物從全景定格成遠景。
再不濟，直接擺個大遠景！
他太嫌棄了！
所以他成為導演後，才冒天下之大不韙，運用西方一些激進的電影拍攝手法，自然被一些「老專家」詬病，也被新一代的電影人追捧。
可如今，花樣多了。
李為迎反而開始懷戀起童年那鏡頭搖晃、黑白交替的電影了。
李為迎陷入沉思。
這是哪個導演拍的呢？
他沒有看導演名單，這很不該。因為他的好友跟他提到，這電影杜亞也插了一手。他不喜歡杜亞，也不喜歡姓江的，所以不太舒服。他決定先看電影，如果電影有意思，他才會關注這背後的創作者。
李為迎腦門轉得飛快，心裡默念這幾年出來的學院派導演的姓名。高風、趙一河、薄寶寶……這些還是有點名堂的導演，可是，是其中哪一位呢？
高風他知道，《決戰》剛拍完，沒時間再拍一部。至於趙一河，沉迷文藝片，這簡直就是學院派導演最愛走的道路了。薄寶寶水平時高時低，有時他覺得這小子是個天才，有時他覺得這傢伙不中用。
李為迎想不通。
他沒有猜想可能是他的那些老朋友。
如果是他們拍攝，消息用不著別人傳，點映的票直接由他們塞到手心了。
電影還在繼續放映著。
「……那我就繼續等下去。」銀幕上的男主回過頭，正式登上銀幕。
李為迎輕輕一拍巴掌，心想，人物縱深的調度！這舉動是他情不自禁發出的，其實像他這樣的導演，已經見過太多縱深調度、橫向調度、景物調度。
但如今電影導演散漫，剪輯稀爛，巴不得有個模板給他們照抄。但這部電影不同，他一眼就看出哪些是精心設計，哪些是胡編亂造。僅僅男主角在樹下等待的拍攝，不單純是場面調度了，還有也運用值得一提的鏡頭剪輯。
最經典的鏡頭方法，大概屬於「三鏡頭法」。
展開的講，老百姓看影視劇中，常常有這樣的一串鏡頭，先是個一對情侶在說話的全景，然後分別是男性與女性說話的特寫。這便是「三鏡頭法」，全景作為「主鏡頭」，兩個特寫作為「備用鏡頭」，故事由三個鏡頭構成。
這三個鏡頭基本上在一個平面上形成一個三角形。
而這一段卻很巧妙，一個人物的正面全景鏡頭，再一個背面的全景鏡頭，最後用一個扭身的特寫，來了個人物面部的特寫鏡頭。在平面上也形成了個三角形。這種拍攝並未全然逃脫「三鏡頭法」，但它獨具特色的，把常理中所認知的「主鏡頭」一定是「全景鏡頭」的形式打破了。
這也許不太「講規矩」。
但多多少少動了腦子！
李為迎來了興趣，他剛剛拍的那一聲輕響並沒有引起人的注意，除了錢明偉，錢明偉回頭望了一眼，可接著，又低頭擺弄他的手機。
電影院的觀眾滿懷興趣地觀賞著，不少影評人士會心一笑。光影漸暗，畫面淡出，再次淡入到另一個場景。
錢明偉低頭，在手機記事本中不斷碼入新的段落。「平淡的開頭、平淡的音樂、平淡的對白，完全沒有充分利用喜劇特有出場的優勢，白白浪費了幾分鐘。」他不惜餘力地抹黑作品，並時不時抬下頭。
當他看劇情推動到男主拍照的情節，不由驚了一下：「太快了吧！」
然後他又竊笑起來，這故事節奏太快了啊！
一開始在樹下莫名其妙地回憶女友，然後便是打電話給姑母，接著突然就照相了。這故事情節，太不容易讓人懂了，而且倒懸的空間構圖，深沉的色彩，乍看上去，有些頭暈腦脹。
這多好啊！恰好適合他批評！
而他身後的李為迎則陷入深思，當李導看到男主角將杯子一放，接通手機時，已經不敢確信了。
「越軸鏡頭」，他的腦海里冒出這個詞。
其實這有點不符合常規。
相比起內地導演，香港和日韓導演更愛玩「越軸鏡頭」。
一般來說，拍攝要遵循「180度原則」，也就是說，只能在角色視線交流線或者人物的運動線的一側設立機位，否則會造成混亂。這條線叫「視軸」。但某些愛追求藝術性的導演，下意識喜歡搞些「越軌」的方式，他們不遵循法則，非要在「視軸」兩邊分別架機位。
如果以銀幕中男主與紅衣女子之間劃了一個軸，那麼顯然酒後與喝酒前拍攝的角度就是「越軸」了。
李為迎並不覺得這有什麼不好，他只擔心，有的導演駕馭不好。但如今看來，這作品太流暢了！
如果說，前面露天車站的剪輯方式，他可以把其歸功成老練的剪輯師。那麼這個越軸鏡頭的出現，讓他不得不正視起導演來，有的剪輯師就是剪輯師，導演就是導演。而有的導演，本身就是剪輯師。他不相信，這麼個鏡頭，是在沒有事先考慮過，就拍攝的。
他把身體往後靠，拋去細究拍攝技巧的想法，他已經確定了，這是個有水平的導演。所以，他現在只打算放鬆一下，專心欣賞這部電影。
他心想，希望電影結束後，有機會能夠和這部影片的導演見個面。
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